SIMON RAYSSAC

23.03.1983 – Bordeaux – France
Lives and works between 🏗 Bordeaux and 🌱 Ayssenes

👀 https://dda-nouvelle-aquitaine.org/Rayssac-Simon

Solo and duo exhibitions
2023 – Effeuiller la marguerite, Station V, Bayonne
2022 – Houga Houga, Grégory Cuquel & Simon Rayssac, Pierre Poumet, Bordeaux
2021 – Côte Ouest, Grégory Cuquel & Simon Rayssac, Galerie Tator, Lyon
2019 – Une jeune fille dans un champ de maïs, La Centrale
2018 – Waterloo, Nicolas Milhé & Simon Rayssac, Pierre Poumet, London
2018 – Les Volets Bleus, Pierre Poumet, Bordeaux
2018 – Des Cerises Sur Les Oreilles with Ludovic Beillard, L’Annexe, Paris
2018 – Tout L’Univers, Palette Terre, Paris
2017 – Cheval et Fontaine, Galerie Bien
2017 – Des Ronds Dans L’eau, After Howl, Bruxelles
2017 – Fleur de Pays with Ludovic Beillard, Atelier W, Pantin
2017 – Une Jeune fille dans un champ de Maïs, Bikini, Lyon
2017 – Regarder l’herbe pousser, Pierre Poumet, Bordeaux
2016 – Femme Au Foyer, Silicone, Bordeaux
2016 – Haut Le Coeur with Ludovic Beillard, Escalier B, Bordeaux
2015 – Dans Le Rose, Escalier B, Bordeaux
2015 – Je t’aime, Fabian Home, Bruxelles
2013 – Do You Remember The Milk?, 5UN7, Bordeaux

Group exhibitions
2022 – Le vent souffle où il veut, Galerie Valentin , Paris
2022 – La Dame à la Licorne, curated by Corinne Szabo, Les Glacières Architecture, Cauderan
2021 – In The Hanging Garden No One Sleeps, curated by Lena Peyrard, La Reserve Bienvenue, Bordeaux
2021 – De la Peinture, curated by Coline Gaulot, Espace Cumulus, Floirac
2020 – Milléniales – Peintures 2000-2020, curated by Vincent Pécoil, Frac Nouvelle-Aquitaine MECA, Bordeaux
2020 – Le Virus De La Peinture, curated by Connoisseurs, Online Exhibition
2019 – Auloffée, curated by Élise Girardot, Pessac
2019 – Novembre à Vitry, Galerie Jean Collet, Vitry-sur-Seine
2019 – Langage II – Tilder, curated by C.O.F, Centre Pompidou, Paris
2019 – Drawing Now, Galerie Anne Barrault, Paris
2018 – NoEL, Galerie Anne Barrault, Paris
2018 – Novembre à Vitry, Galerie Jean Collet, Vitry-sur-Seine
2018 – Cruising In a Palace, invited by Titanix, Electra Palace, Athens
2018 – Pendant Que Les Champs Brulent, Plateforme, Paris
2018 – Sessions #7, Galerie Bertrand Grimont, Paris
2017 – Double Trouble, Ici Gallery, Paris
2017 – Les Entrées Extraordinaire III, Atelier W, Pantin
2016 – Des Embruns, Pierre Poumet, Bordeaux
2016 – Les Entrées Extraordinaire II, Atelier W, Pantin
2015 – Anger Management, Komplot, Bruxelles

Residencies
2018 – Le Manoir, Mouthier Haute-Pierre
2017 – Le Courant Ayssenois, Ayssenes
2016 – Chambres à part, 35h, Paris

Curatorial
2019 – PopCorn Time, Eponyme, Bordeaux (Karina Bisch, Bastien Cosson, Camilia Oliveira Fairclought, Josquin Gouilly Frossard, Coraline Guilbeau)
2017 – (with Frédéric Houvert) les Tournesols (Frédéric Houvert, Laurent Proux et Daniel Mato)
2017 – (with Ludovic Beillard, Coraline Guilbeau), Beautiful, EBABX, Bordeaux
2017 – (with Ludovic Beillard) L’odeur des sentiments, Hypercorps, Bruxelles (Martin Belou, Laurie Charles, Cyril Debon, Jos de Gruyter & Harald Thys, Romain Juan, Rémi Lambert, Antoine Renard, Zoé de Soumagnat)

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Edition
2020 – Le Peintre et son Problème
2019 – Tout L’univers en 46×55 cm
2017 – Jour de Croûte, Lapin-Canard LC067

Links
Review – Côte Ouest, Galerie Tator 🔗
Text – Côte Ouest, Hugo Pernet 📖
Text – Je suis heureux… il fait soleil, Émilie Flory 🔗
Press – ArtPress 485, Romain Mathieu, Abstractions Impures 📖
Review – Kubaparis, Les volets Bleus 🔗
Review- Palette Terre, Tout L’Univers 🔗
Press – Connoisseurs, Le Virus De La Peinture 📖
Press – Editions Naima, La Centrale, une jeune fille dans un champ de maïs 🔗
Review – Tzvetnik, Des Cerises Sur Les Oreilles 🔗
Review – Tzvetnik, Fleur De Pays 🔗
Review – Art Viewer, L’Odeur Des Sentiments 🔗
Review – After Howl, Des Ronds Dans L’Eau 🔗
Text – Revue Laura, Elise Girardot , A Travers La Fenêtre 📖
Text – Boombang – Clare Mary Puyfoulhoux – Grand Récits Sur Fond blanc 🔗
Text – Junkpage, Produire Une Intensité 🔗
Text – Junkpage, Paradis Perdus 🔗
Review – Galerie Bien, Cheval et Fontaine 🔗

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🇫🇷 Dans sa peinture, Simon Rayssac use de la répétition des motifs, des couleurs et des mouvements. Chez lui la répétition est en perpétuelle création. Par l’articulation des oppositions, des ressemblances et des reflets, elle ne cesse de s’enrichir ou de se métamorphoser. Le terme n’est jamais atteint. Le retour au point de départ est toujours possible. La virtuosité et la maladresse s’entremêlent. Cet artiste ne cherche pas à résoudre les contradictions. Au contraire il les affirme. Rien n’est plus étranger à sa peinture que la détermination stricte, l’argumentation autoritaire. Il n’a pas pour but de cadrer, délimiter son geste pictural mais plutôt de s’en servir comme un levier de débordement et d’éclatement pour aller de l’avant et saisir un foisonnement de sensations et d’images. S’il existe une relation entre notre monde et le sien, elle est analogue à la relation amoureuse, c’est-à-dire qu’elle est faite de fantaisies, de tentations et d’abandons, d’envols, de frémissements et de matérialité du quotidien, de fusions et de séparations. Et ces deux mondes sont nécessaires, l’un ne supprimant jamais l’autre, dans une alliance
permanente de rupture et de réconciliation. (Didier Arnaudet)

🇬🇧 In his paintings, Simon Rayssac uses the repetition of patterns, colours and movements.
In his work, repetition is in a process of permanent creation. Through the articulation of opposites, similarities and reflections, his work is constantly enriching and transforming itself. The endpoint is never reached. Returning to the starting point is always possible. Virtuosity and clumsiness blend together. This artist does not seek to resolve contradictions. On the contrary, he affirms them. Nothing is further away from his work than strict determination and authoritarian argumentation. His purpose is not to enclose or delimit his pictorial gesture, but rather to use it as a tool for excess and fracturing in order to forge ahead and seize a profusion of sensations and images. If there exists a relationship between our world and his, it is analogous to love, that is to say, it is made up of fantasies, temptations and abandon, flights of fancy, quivering and the stuff of daily life, of fusions and separations. And these two worlds are necessary, they never fully suppress each other; they are in a permanent alliance of rupture and reconciliation. (Didier Arnaudet)

🇫🇷 Chers peintres, Abandonnons-nous sans tarder aux purs baisers de l’air, aux bienfaits de la mer, nourrissons nos pensées d’abord, nos corps ensuite, goûtons les fruits de l’espace, le parfum et les sons des couleurs, sublimons nos idées. (…) Dame peinture toujours jeune, je vous donne mon cœur, je vous donne mon corps. Vive vous ! Je vous aime ! Ces mots que James Ensor adresse à ses adelphes peintres et à la peinture matérialisent bien les idées et émotions plurielles qui entourent ma vision du travail de Simon Rayssac. L’artiste offre des œuvres comme des histoires, révélatrices de « petits riens », qui font que la vie resplendit autour du chat du Docteur P, sur le mystère singulier d’une série de bâtons dansants, avec des études (qui n’en sont pas) de cheveux, carpes, ciel brumeux, fourrure au poisson entremêlés. Il s’attache au caractère fugitif des choses, parce qu’il y a urgence à peindre. En émane une impulsion vitale de créer vite, fort, beaucoup, peindre sans fin quand le jour est bon. Un jour, une toile, deux formats. Ne pas cesser. Observer la nature, la faune, la flore. Faire jusqu’au bout « parce qu’on va tous mourir ». Les choses circulent dans ce travail foisonnant et l’émotion peut être intellectuelle, brute ou viscérale. Son approche demande de s’impliquer, sentir son corps de regardeur prendre la mesure de celui du peintre ; ses gestes, la force, la masse vibrante de celui qui se confronte à la toile quand il travaille. « Voir de près » les virgules du pinceau, les embués, le gras sensuel de la matière, les apparences vaporeuses et l’absence de perspective par la présence quasi constante de la planéité. La couleur, chez lui, vous emporte. Elle illusionne et agite. Si la palette peut parfois être restreinte dans une toile, c’est un grand embrasement chromatique qui sillonne l’ensemble de son œuvre. La joute entre le rouge cinabre et le vert de Grande étude d’éclairage pour plante verte (2018), le souvenir perdu de l’orange vif et du bleu outremer d’une pluie fine sur la dune, les exaltations de jaunes, verts, ocres, bruns et roses, les nuances cendrées des nuits aux louves, Étude de corbeaux (2019) et Dans la buée (2019) jusqu’aux crêtes violines des collines d’hiver en Aveyron ; tout fait parler le cœur, la mémoire et le ventre. Le verbe, lui, arrive avant que la toile naisse. Le titre comme élément fondateur de l’œuvre reste pour l’artiste un protocole de travail. En nombre, ils deviennent poèmes, invitent et orientent le regard et l’imagination, dirigent le style, figurent les formes, structurent la fausse abstraction. Tout comme les séries, les variations rythment régulièrement les productions sur toile ou sur papier. Reprendre le motif jusqu’à épuiser le sujet. Une nouvelle temporalité arrive dans la façon de travailler de l’artiste : revoir, laisser pour pause, repeindre plutôt que faire voler. Depuis peu il pratique des écarts protocolaires, accepte la reprise de certaines œuvres, change de format, encadre les toiles de baguettes peintes, comme une fiction nouvelle. Il s’autorise. C’est en prêtant son corps au monde que le peintre change le monde en peinture. Dans les vidéos One Night Stand le corps court ou est statique au milieu des œuvres des autres. Sa voix — outil unique et singulier — son oscillation, sa mélodie primale entre cri, chant mystique et modulation chamanique permet tout à la fois d’évoquer l’apaisement, la peur et la jubilation. Elle convoque les mémoires, provoque le souvenir. L’artiste est là, nu et mû par le monde. Il est souvent question de mémoire dans l’œuvre polysensorielle de Simon Rayssac. La mémoire mélancolique des joies à venir et des bonheurs perdus, des temps récents à Assèynes et celle universelle d’un retour à la nature, leurre autant que boussole. Contemplative face à certaines toiles, heureuse déstabilisée face à d’autres, j’y entends souvent de la musique, que je chante dans la rue ou fredonne simplement… Je suis heureux… il fait soleil. Et pourtant… (Émilie Flory)

🇩🇪 Liebe Malerinnen und Maler! Geben wir uns unverzüglich den reinen Küssen der Luft und den Wohltaten des Meeres hin, nähren wir zuerst unsere Gedanken, dann unsere Körper, schmecken wir die Früchte des Raumes, den Duft und den Klang der Farben, sublimieren wir unsere Ideen. (…)
Dame Malerei immer jung, ich gebe Ihnen mein Herz, ich gebe Ihnen meinen Körper. Ein Hoch auf euch! Ich liebe euch! Diese Worte, die James Ensor an seine adeligen Maler und an die Malerei richtete, verkörpern die vielfältigen Ideen und Emotionen, die meine Sicht auf die Arbeiten von Simon Rayssac umgeben. Der Künstler bietet Werke wie Geschichten, die die « kleinen Dinge » aufdecken, die das Leben um die Katze von Dr. P herum erstrahlen lassen, über das einzigartige Geheimnis einer Reihe von tanzenden Stöcken, mit Studien (die keine sind) von Haaren, Karpfen, nebligem Himmel, Pelz und Fisch, die miteinander verwoben sind. Er konzentriert sich auf den flüchtigen Charakter der Dinge, denn das Malen ist dringend. Von ihm geht ein vitaler Impuls aus, schnell, stark, viel zu schaffen, endlos zu malen, wenn der Tag gut ist. Ein Tag, eine Leinwand, zwei Formate. Nicht aufhören. Die Natur, die Fauna und die Flora beobachten. Bis zum Ende machen, « weil wir alle sterben werden ». Die Dinge fließen in dieser überbordenden Arbeit und die Emotionen können intellektuell, roh oder viszeral sein. Man muss sich auf sie einlassen und spüren, wie der Körper des Betrachters den Körper des Malers ausmisst; seine Gesten, die Kraft und die vibrierende Masse desjenigen, der sich bei der Arbeit mit der Leinwand konfrontiert. « Aus der Nähe sehen » die Kommas des Pinsels, die Beschläge, das sinnliche Fett der Materie, die dunstigen Erscheinungen und das Fehlen einer Perspektive durch die fast ständige Präsenz der Flächigkeit. Die Farbe nimmt einen bei ihm mit. Sie illusioniert und erregt. Auch wenn die Palette in einem Gemälde manchmal eingeschränkt sein kann, so ist es doch eine große chromatische Glut, die sein gesamtes Werk durchzieht. Der Wettstreit zwischen Zinnoberrot und Grün in Grande étude d’éclairage pour plante verte (2018), die verlorene Erinnerung an das leuchtende Orange und Ultramarinblau eines feinen Regens auf der Düne, die Exaltationen von Gelb, Grün, Ocker, Braun und Rosa, die aschfarbenen Nuancen in nuits aux louves, Étude de corbeaux (2019) und Dans la buée (2019) bis hin zu den violetten Kämmen der Winterhügel im Aveyron; alles lässt das Herz, die Erinnerung und den Bauch sprechen. Das Wort hingegen kommt, bevor das Gemälde geboren wird. Der Titel als Gründungselement des Werks bleibt für den Künstler ein Arbeitsprotokoll. In großer Zahl werden sie zu Gedichten, laden den Blick und die Vorstellungskraft ein und lenken sie, lenken den Stil, stellen die Formen dar und strukturieren die falsche Abstraktion. Ebenso wie die Serien bestimmen auch die Variationen regelmäßig den Rhythmus der Produktionen auf Leinwand oder Papier. Das Motiv immer wieder aufgreifen, bis das Subjekt erschöpft ist. Eine neue Zeitlichkeit hält Einzug in die Arbeitsweise des Künstlers: überarbeiten, zur Pause stehen lassen, übermalen statt fliegen lassen. Seit kurzem praktiziert er protokollarische Abweichungen, akzeptiert die Wiederaufnahme bestimmter Werke, ändert das Format, rahmt die Leinwände mit bemalten Stäben ein, wie eine neue Fiktion. Er erlaubt sich selbst. Indem der Maler der Welt seinen Körper leiht, verändert er die Welt in Malerei. In den Videos One Night Stand läuft der Körper inmitten der Werke anderer oder ist statisch. Ihre Stimme – ein einzigartiges und einzigartiges Werkzeug – ihre Schwingung, ihre urtümliche Melodie zwischen Schrei, mystischem Gesang und schamanistischer Modulation ermöglicht es, gleichzeitig Beruhigung, Angst und Jubel heraufzubeschwören. Sie ruft Erinnerungen hervor und provoziert das Erinnern. Der Künstler ist da, nackt und von der Welt bewegt. In Simon Rayssacs polysensorischem Werk ist oft von Erinnerung die Rede. Die melancholische Erinnerung an kommende Freuden und verlorenes Glück, an die jüngsten Zeiten in Assèynes und die universelle Erinnerung an eine Rückkehr zur Natur, die sowohl Trugbild als auch Kompass ist. Kontemplativ vor manchen Gemälden, glücklich und verunsichert vor anderen, höre ich oft Musik, die ich auf der Straße singe oder einfach nur summe… Ich bin glücklich … es ist sonnig. Und doch… (Émilie Flory)

🇫🇷 De larges gouttes d’eau rouges tombent en fracas sur la dune. Lourdes et solides, elles sont transpercées par le soleil couchant. Pourquoi Simon Rayssac nous délivre t-il un. geste évanescent ? Toile après toile, le peintre semble dérouler une impression personnelle et fugace, une histoire d’intimité pudique, une quête incessante et jamais. rassasiée. Observées par la fenêtre de l’atelier, les apparitions sont baignées dans la. peinture. Les empreintes se déclinent et rythment de grands aplats. Ces leitmotivs glanés par l’artiste, tels des prétextes à la représentation, matérialisent tantôt des souvenirs, tantôt des impressions de paysages fragmentés où le détail prédomine : un tablier ondulant, un vide laissé par une feuille d’abricotier sur laquelle la lumière rasante scintille. Aux antipodes des grandes manifestations de la nature, un geste caractérise l’humain. Les variations dépeintes par Simon Rayssac seraient alors les mouvements de corps naturels personnifiés déclinant une multiplicité de personnages : feuilles, fleurs, pierres, pluies, sables… Toujours, les motifs arborent une expression propre, un trait de caractère. Ici, des ondulations terreuses nous traversent, nous sommes écrasés par la boue qui s’accumule. Là, des fruits géants ou des pivoines psychédéliques exultent en couleurs et disproportions. Parfois absurdes, les sujets surchargent la toile sans vouloir la libérer, à l’image de la persistance rétinienne ressentie par l’artiste lorsque son regard balayait la réalité. La buée froide et les oursins agresseurs font alors place à une sombre chevelure dissimulée sous le va-et-vient d’un éventail. Les variations de Simon Rayssac forgent cette peinture d’émotions éclatées qui saturent des paysages jamais décoratifs. Rien n’est caché dans cette partition, la fabrique de l’artiste est visible et chaque tableau est le témoignage d’un élan. (Élise Girardot)

🇬🇧 Large red drops of water fall in a clatter on the dune. Heavy and solid, they are pierced by the setting sun. Why does Simon Rayssac offer us an evanescent gesture? In canvas after canvas, the painter seems to unfurl a personal and fleeting impression, a story of modest intimacy, a never-ending and never-satiated quest. Observed through the window of the studio, the apparitions are bathed in paint. Imprints are arranged and give rhythm to large flat areas. These leitmotivs are gleaned by the artist, they are like pretexts for representation, sometimes they materialize memories, sometimes impressions of fragmented landscapes where detail predominates: an undulating apron, an emptiness left by an apricot leaf on which the raking light gleams. In contrast to major expressions of nature, the Human is characterized by a gesture. The variations portrayed by Simon Rayssac could thus be the movements of personified natural bodies, offering a multiplicity of characters: leaves, flowers, stones, rains, sands… Always, the motifs display an expression of themselves, a personality trait. Here, earthy undulations pass through us, we are crushed by the mud that accumulates. There, giant fruits or psychedelic peonies exult in colors and disproportions. Sometimes absurd, the subjects overload the canvas without wanting to liberate themselves from it, just like the retinal persistence felt by the artist when he gazes upon reality. The cold mist and aggressive sea urchins give way then to dark hair hidden under the comings and goings of a fan. Simon Rayssac’s variations forge this painting of exploded emotions that saturate never-decorative landscapes. Nothing is hidden in this musical score, the artist’s hand is visible and every painting is the testimony of an impulsion. (Élise Girardot)

🇫🇷 C’est une femme et qui cueille des abricots. Ce sont des abricots oranges, ils ont une chair, une forme, ont une empreinte précise à l’intérieur de la main. Simon Rayssac peint le matin, ou alors en journée, cela dépend du où il est quand il peint. Il y a un homme assis, cet homme vit. Il a la responsabilité d’un champ, d’une terre, des saisons de la terre. Il est habillé de bleu, l’un de ses outils est une faux. Celle-là même qui. Cet homme assis, habillé de bleu, n’a pas de visage. Ne donne pas son visage, trop singulier, à l’exploration universelle de Simon qui peint depuis trois ans, depuis toujours. Le matin donc, et le reste du jour. Un cheval se promène et tout le monde se souvient. Il y a la croupe bien ronde des ongulés sur les parois, il y a les sioux, il y a le regard de l’animal, sa transition perpétuelle (il est celui qui me meut), sa noblesse, ma liberté. Il n’y a pas de toile, il n’y a pas de souvenir, il n’y a pas de fait, il y a à peine un geste et il est fort. Je suis choquée comme lorsque j’ai eu peur de tomber après avoir trébuché. Le cheval a déjà été bleu. Lorsqu’il est passé au format plus fort, Simon a fait une étape à l’encre noire sur fond blanc. Il nous a montré les coulisses, les entrailles. Ce n’était pas joyeux mais pas non plus délirant et la matière tout à coup légère fut zébrée comme le ciel quand l’orage terrasse les sommets. C’est une peinture qui ne vieillira jamais. Ensuite les choses se collent, occupent les espaces, trahissent tous les vides, se tassent. Une force en série, quand Simon peint. Il prend une idée, un souvenir, une impression. Il tient quelque chose, il transforme, ça devient autre. Ça part de là pour aller là et ça ne nous intéresse pas. Il reprend là pour aller là. Il y a une phrase, l’herbe qui pousse, son bruit. Il y a le temps, le coeur encore qui chavire. Gouache sur format A4. Huile ou encre. Acrylique. Une table pour les matières. Des murs, les toiles. Souvent deux en parallèle pour pratiquer l’exercice. Quand la lumière tombe des verrières de l’atelier, quand ça se déplace. C’est toujours grand jour, même si le ciel se fait blanc. Le territoire des origines est sauvage mais les rayons traversent les branches comme ici. Remonter. La main ne parle pas des cavernes puisqu’elle en vient, puisqu’elle y est. Et nous avec elle. La main s’agite un peu, e cerveau pense. C’est tout ce rassemblé, comprimé qui s’exprime. C’est le vertige, le néant, le il n’y a rien à présent, jamais rien, plus rien, il n’y avait rien non plus avant. C’est toujours très éclatant. Simon tient, nous voyons. Les toiles ne font pas justice, ne prétendent à rien, encore. Ne résolvent rien. (Clare Mary Puyfoulhoux)

🇬🇧 It is a woman who picks the apricots. They are orange apricots, they have flesh, a shape, they have a precise imprint inside the hand. Simon Rayssac paints in the morning, or during the day, depending on where he is when he paints. There is a sitting man, this man lives. He is responsible for a field, or a land, for the seasons of the earth. This seated man is dressed in blue, one of his tools is fake. The same one that. This man sitting, dressed in blue, has no face. Does not give his too singular face to Simon’s universal explorations, Simon has been painting for three years, for forever. In the morning, then, and the rest of the day. A horse goes for a walk and everyone remembers. There is the round rump of the ungulates on the walls, there are the Sioux, there is the gaze of the animal, its perpetual transition (that is the one that moves me), its nobility, my freedom. There is no canvas, there is no memory, there is no fact, there is barely a gesture, and it is strong. I am as shocked as when I was afraid of falling after tripping. The horse has already been blue. When he started using a larger format, Simon made a transition with black ink on a white background. He showed the backstage, the insides. It wasn’t joyful, but it wasn’t delirious either, and the suddenly-light material was zebra-striped like the sky when the storm strikes the peaks. It is a painting that will never grow old. Then things stick together, occupy spaces, betray all the emptiness, settle down. There is strength in series, when Simon paints. He takes an idea, a memory, an impression. He holds onto something, he transforms, it becomes something else. It starts from there and goes there and we’re not interested in it. It starts there again to go there. There is a phrase, the grass growing, its sound. There is time, the heart still capsizes. Gouache on A4 format. Oil or ink. Acrylic. A table for the materials. Walls, the canvases. Often two in parallel to practice the exercise. When the light falls from the glass ceiling of the studio, when it moves. It’s always bright, even when the sky is white. The territory of the origins is wild but the rays go through the branches like here. Go back up. The hand does not speak about the caves since it comes from them, since it is there. And us with it. The hand moves a bit, the brain thinks. It’s all that, collected and compressed, that expresses itself. It is vertigo, nothingness, there is nothing now, never nothing, there was nothing before either. It is always very bright. Simon is holding, we see. The canvases do not do justice, do not pretend to do anything, yet. Nothing is resolved. (Clare Mary Puyfoulhoux)

🇫🇷 Les peintures de Simon Rayssac sont un vivarium. Un vivarium sans clôture, composé d’êtres sensoriels, légèrement agités. Fragilement campés, ils déjouent les significations. Si on se place à l’échelle de l’infime et que l’on prend la bonne lentille pour le voir, le plus quelconque apparaît comme un être singulier, avec sa propre tenue, son propre champ de résonnance ; à l’occasion d’une rame, d’un feuillage, de ronds dans l’eau. Le dérisoire, l’infiniment petit, c’est là où on respire parce que tout y est ténu et changeant. Ici pas de loi mais des clins d’oeil. Tout se joue dans une inflexion minime, une attention à la singularité des choses qui requiert à chaque fois d’adapter légèrement le code. Une ombre, un mouvement, une couleur donnent lieu à une géométrie pudique dans laquelle des formes sans contour voisinent et forment des plans sans profondeur. On plonge, le flottement devient la matière même du toucher, du contact. Mais ce flottement cache une autre matérialité, celle des coups de pinceau. On s’imagine la main, le corps, agités. L’émotion, l’humour, la frustration, la contemplation : sur la toile les coups de pinceaux ont une éloquence bavarde, semblent contenir les mille variations d’un coeur pris dans les aléas du quotidien. La « patouille » est cette matière pleine d’emballement, elle s’emporte, étonnamment humaine, et la distance indéfinissable qui sépare chaque plan du tableau accueille ces débordements à l’infini. Quelque chose de la douceur du geste, du regard fait qu’ici on peut déborder sans crainte. (Nora Barbier)

🇬🇧 Simon Rayssac’s paintings are a vivarium. A vivarium without enclosure, composed of slightly agitated sensory beings. Fragilely erected, they thwart meanings. If we place ourselves on the scale of the infinitesimal and we use the right lens to see it, the most ordinary thing appears as a singular being, with its own outfit, its own resonance field; in this case an oar, foliage, rings in the water. The trivial, the infinitely small, is where we breathe because everything is tenuous and changing. Here, there are no laws, but there are winks. Everything is played out in a minimal inflection, an attention to the singularity of things that requires a slight adaptation of the code each time. A shadow, a movement, a modest geometry in which forms without contour are close and in which the colors give place to planes without depth. One dives, the floating becomes the very matter of touch, of the contact. But this floating hides another materiality, that of the brushstrokes. One imagines the hand, the body, restless. Emotion, humor, frustration, contemplation: on the canvas the brushstrokes have a talkative eloquence, seem to contain the thousand variations of a heart caught in the the hazards of daily life. The « splashing » is this material full of excitement, it gets carried away, in an astonishingly human way, and the indefinable distance separating each plane of the painting accommodates these overflows infinitely. Something of the softness of the gesture, of the glance makes one sense that here one can overflow without fear. (Nora Barbier)

🇫🇷 Le rose s’est doucement installé dans la maison. Au début c’était tout vide, c’était tout blanc, c’était tout lisse. Une fine couche de poussière recouvrait certaines pièces laissées dans un long été de somnolence. Le silence qui y régnait avait suspendu l’appréhension du présent. Hermétique, désincarné. Il a commencé par repeindre les murs de la grande salle. Une plongée dans la couleur, tout simplement. Sur une table, des miniatures, objets pansements, maquettes en carton, reliques en terre cuite sont déposés là. Le décor est planté. Une faible lumière du jour éclaire leurs faces arrondies, fait briller les traits colorés et l’aquarelle coule sur les papiers découpés. Des formes énigmatiques renvoient à un langage rituel, une sorte de flottement entre les âges, faisant appel à notre corps organique. Un langage de flux, de veines, d’hémoglobine diluée. Les membranes du coeur palpitent à la surface d’une toile encore tiède, un nuancier déplié explore les sentiments humains. Dans les casseroles, reposent les mélanges d’acryliques et de condiments. C’est dans la cuisine que Simon entrevoit des assemblages de textures, des amalgames de formes molles, laissées au repos pour le regard méditatif, entre une tasse de café chaud et un cendrier plein. Au quotidien, dans cet espace de vie, tout s’agence intuitivement, selon les prémonitions amoureuses et l’inconscient doucement éveillé. A l ‘étage, il y a la chambre. Le soleil passe au travers de la lucarne et la remplit d’une lumière chaude. Il est resté là trois jours, à tourner en rond, à s’imprégner des traces du passé. La poussière des années d’oubli est colmatée avec la naissance d’une nouvelle histoire. Ecrite en quelques jours avec ses doigts dans la peinture, avec les bribes de ses rêves imprimés sur les parois de plâtre. Au milieu de la pièce il y a une trappe, une échelle sans barreaux qui mène sur les toits. Il n’est plus question de s’échapper. Un peu partout, des explosions de couleurs, des formes qui prennent leur envol dans l’espace d’une saison, entre les murs, sur les cloisons d’une chambre à l’abandon. Simon repeuple l’histoire du lieu. Il réinvente les habitants, il refonde des familles faites de peaux tableaux et de noms collectionnés. Rien de tout cela n’a été laissé au hasard. (Laurie Charles)

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